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Die Eleganz des Unperfekten: „Hand Model“, 2018 (Filmstill). Foto: Michelle Miles
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Die Eleganz des Unperfekten: „Hand Model“, 2018 (Filmstill).

MMK-Ausstellung „Crip Time“

Künstlerin und Rollstuhlnutzerin Michelle Miles: „Ich musste Designlösungen entwickeln, um mir die Welt zu erschließen“

  • Sandra Danicke
    VonSandra Danicke
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Die US-amerikanische Künstlerin Michelle Miles über ein Leben im Rollstuhl und die Kunst, die daraus resultieren kann. Ihre Arbeiten sind jetzt in der Ausstellung „Crip Time“ im Frankfurter Museum für Moderne Kunst zu sehen

Michelle Miles, Sie nehmen an einer Ausstellung zeitgenössischer Kunst teil, die sich mit körperlicher und geistiger Dysfunktionalität befasst. Wie fühlt sich dieser Kontext für Sie an?

Meine Identität als behinderte Person ist auch etwas, das meine Arbeit beeinflusst und manchmal auch konzeptionell untermauert. Dieser Teil meiner Identität verbindet mich mit der unglaublichsten Gemeinschaft, die ich je erlebt habe. Ich fühle mich zutiefst geehrt, ein Teil dieser Ausstellung zu sein. Wann sonst haben so viele Künstlerinnen und Künstler mit einer gemeinsamen Identität aus der ganzen Welt die Möglichkeit, sich in einem Raum zu versammeln und ihre Arbeiten miteinander zu teilen? Und dann auch noch im MMK! Das ist eine ganz besondere Gelegenheit, die nicht jeder erleben kann – ob behindert oder nicht.

Es gibt eine Gemeinschaft unter behinderten Künstlerinnen und Künstlern?

Ja! Als ich 2019 nach New York City zog, entdeckte ich eine Gemeinschaft von behinderten Künstlerinnen, was mein Leben wirklich verändert hat. Ich hatte zuvor noch nie Kunst gesehen, die von jemandem mit einer Behinderung gemacht wurde, oder Kunst, die sich mit Ideen oder Erfahrungen im Zusammenhang mit Behinderung auseinandersetzt. Jetzt fühle ich mich als Teil dieser Gemeinschaft, die sich der gegenseitigen Unterstützung verschrieben hat und sich dafür einsetzt, dass Räume inklusiver werden (vor allem Räume, in denen Kunst gemacht und erlebt wird!).

Welche Art von Behinderung haben Sie?

Ich habe eine fortschreitende neuromuskuläre Krankheit, die meine Muskeln mit der Zeit schwächt, und bin auf einen Rollstuhl angewiesen, um mich zu bewegen.

Glauben Sie, dass Sie auch ohne diese Krankheit Künstlerin geworden wären?

Ich glaube ja. Ich habe mit dem Zeichnen und Malen begonnen, als ich noch sehr jung war, bevor ich wusste, dass ich eine Behinderung habe (oder überhaupt verstand, was das bedeutet). Ich bin ein sehr visuell veranlagter Mensch. Aber meine Behinderung hat die künstlerischen Werkzeuge, die ich benutze, die Art und Weise, wie ich sie benutze, und die Ideen, die ich in meiner Arbeit erforsche (absichtlich oder nicht), beeinflusst.

Sie arbeiten an integrativen Designlösungen. Auf welche Innovation sind Sie besonders stolz?

Während meiner Arbeit am Metropolitan Museum of Art habe ich ein Projekt zur Erstellung neuer Richtlinien für die barrierefreie Gestaltung von Vitrinen für das Museum übernommen. Das Projekt wurde dadurch angeregt, dass es in der Abteilung für Ausstellungsdesign keine Richtlinien für die Gestaltung von Displays für sitzende Besucher gab. Da ich selbst Rollstuhlfahrerin bin, hatte ich ein besonderes Interesse daran, dieses Projekt zu leiten – und obwohl die Gestaltung eines sitzenden Besuchererlebnisses anfangs im Vordergrund stand, weitete sich unser Fokus im Laufe der Arbeit auf ein breiteres Spektrum von Besucherinnen und Besuchern aus.

Wo sehen Sie den größten Handlungsbedarf?

Da fallen mir so viele Dinge ein, aber ein wichtiger Bereich in den Vereinigten Staaten ist das Gesundheitswesen. Es ist sehr schwierig, sowohl als Künstlerin zu arbeiten als auch eine gute (oder überhaupt eine) Krankenversicherung zu bekommen. Und ohne Zugang zu den Ressourcen, die einen Menschen am Leben und gesund erhalten, ist es sehr schwierig, zu arbeiten.

Wie unterscheidet sich Ihr Ansatz als Künstlerin von dem eines Designers?

Kunst und Design sind beide so wichtig für mich und meine Arbeit. Ich denke, ich habe mein ganzes Leben lang als eine Art Designerin gearbeitet, da ich oft Probleme lösen und Designlösungen entwickeln musste, um mir die Welt um mich herum zu erschließen – einschließlich der Werkzeuge, die ich für mein künstlerisches Schaffen verwende. Meine Identität als Künstlerin ist ebenfalls von grundlegender Bedeutung für mich, da ich schon immer dazu neigte, mich durch visuelle und greifbare Bilder auszudrücken und zu erforschen.

Was inspiriert Sie?

Zur Person

Michelle Miles ist eine Multimedia-Künstlerin, die 1996 in Houston, Texas geboren wurde. Ihre Arbeit ist durch ihre Erfahrungen als behinderte Frau geprägt und konzeptionell untermauert. Sie hat am Metropolitan Museum of Art in New York an Konzepten zur Inklusion gearbeitet und ihre Filme auf Festival und in Ausstellungen präsentiert. Miles lebt in Charlottesville, Virginia.

„Crip Time “, eine Ausstellung von und über Menschen mit Behinderungen, die das Thema Verletzlichkeit in den Fokus stellt, wird heute Abend im MMK eröffnet.

Bisher war meine künstlerische Arbeit in der Regel für mich selbst bestimmt, als Mittel, um meine Erfahrungen zu erforschen und zu verstehen. Meine Projekte werden in der Regel von einem Bild inspiriert, das ich erforschen möchte, von einer Facette meiner Identität, die ich untersuchen, oder von einer Idee, die ich verfolgen möchte. Im Laufe des Schaffensprozesses finde ich oft Verbindungen zwischen und Bedeutungen hinter meinen Ideen oder werde zu neuen Ideen geführt. In der Regel lerne ich, worum es in der Arbeit geht, indem ich sie mache. Ähnlich verhält es sich, wenn ich ein Publikum einlade, meine Arbeit zu erleben (Behinderte, Nichtbehinderte, Künstler, Freunde, Fremde), dann gewinne ich Einsichten durch neue Interpretationen und durch die Art und Weise, wie Einzelne ihre eigenen Erfahrungen mit meiner Arbeit in Verbindung bringen können.

Was werden Sie im MMK präsentieren?

Ich zeige zwei Filme, „Hand Model“ und „How Did We Get Here?“.

Worum geht es in „Hand Model“?

Im Laufe meines Lebens haben mir die Leute oft gesagt: „Du solltest ein Hand-Model sein“ – wegen meiner langen, schlanken Finger. Jedes Mal, wenn ich das höre, macht mich diese Bemerkung stutzig. Das liegt zum Teil daran, dass meine Hände zu den Körperteilen gehören, die mit einer Behinderung einhergehen, und dass ich zu dem Zeitpunkt, als ich diese Arbeit anfertigte, noch nie ein behindertes Model irgendwo gesehen hatte. Meine Muskelschwäche hindert mich daran, viele übliche Gesten auszuführen oder Gegenstände auf herkömmliche Weise zu halten, und meine Hände sind dünn und aufgrund meiner verkümmerten Muskeln etwas entstellt. Nachdem ich diesen Kommentar oft genug gehört hatte, beschloss ich, meine behinderten Hände mit der Idee des Modellierens in Verbindung zu bringen. Ich benutzte meine behinderten Hände, um mit Objekten ins Gespräch zu kommen, die Schönheit, Weiblichkeit und Sinnlichkeit symbolisieren oder die auf Bilder aus der klassischen Kunst verweisen. Dabei stellte ich fest, dass die schlaffe Beschaffenheit meiner behinderten Hände zu einem Verweis auf die in Gemälden der Renaissance dargestellten Handgesten wird.

Diese Arbeit wurde zur ersten einer Serie, die sich mit dem Prozess des Verbergens und Offenlegens von Aspekten der eigenen Identität befasst – insbesondere mit den Zeichen einer Behinderung wie meinen verkümmerten Händen. Durch die Erkundung der Bilder und Fantasien meiner eigenen Erfahrungen begann ich eine Untersuchung und ein Gespräch mit den Symbolen, Farben und Gesten der klassischen Kunst, einem Ort, an dem positive Darstellungen von Behinderung weitgehend fehlen.

Und worum geht es in „How Did We Get Here?“?

Das Medium, mit dem ich mich in meiner Jugend beschäftigt habe, war die Malerei, bis die Schwäche meiner Hände auch meinen Griff zum Pinsel schwächte, was meine Bemühungen um die Fotografie und schließlich um das Filmemachen beflügelte. Nachdem ich einige Jahre an verschiedenen Filmsets mitgewirkt hatte, stellte ich fest, dass es immer noch Barrieren zwischen mir und dem Werkzeug gab, mit dem ich etwas schaffen wollte – in diesem Fall eine Kamera. Beim Experimentieren mit der Ausrüstung fand ich heraus, dass ich durch die Verkleinerung meines Filmsets und die Verwendung eines Makroobjektivs meine eigene kleine Welt erschaffen konnte, die weniger Hindernisse aufwies als die natürliche Welt in Originalgröße oder ein traditionelles Filmset. So konnte ich mit organischen Bewegungen auf eine Weise arbeiten, die mir zugänglich war, und zwar auf eine abstraktere Weise. Indem ich Tinte in meine Filmpraxis einbezog, konnte ich die Art von Abstraktion verfolgen, die ich in meinem frühen Leben als Malerin gefunden hatte.

In „How Did We Get Here?“ habe ich die Reaktion zwischen Tinte und Seife in einer Petrischale dokumentiert. Die visuellen Veränderungen zwischen Anfang und Ende der Arbeit erfolgen sehr langsam und sind fast nicht wahrnehmbar. Der Ton ist ein einziger Sinuston, der in den vier Minuten und 20 Sekunden des Films sehr langsam ein- und wieder ausgeblendet wird. Er ist zwar subtil und fast unhörbar, genau wie die Veränderungen in den Bildern des Films, aber wenn ich den Film in einem Kino abgespielt habe, war der Ton in seiner höchsten Lautstärke durch den Boden zu hören.

Und was ist zu sehen?

Am Anfang wäscht sich die rote Farbe über einen Großteil des Bildes und bildet in der Mitte eine Form, die meiner Meinung nach einem menschlichen Herzen ähnelt. Während die Farbe trocknet, beginnt sie, vor dem hellen weißen Hintergrund ein Muster zu bilden. Das Muster ähnelt fast der Vogelperspektive auf ein Flusssystem. Am Ende des Films ist die Farbe noch mehr getrocknet, und die roten Flüsse, die das Muster bilden, scheinen fast „ausgetrocknet“ zu sein, ebenso wie die herzförmige Form in der Mitte. Später wurde mir klar, dass es sich dabei um eine Art Selbstporträt handelt, insbesondere um ein Porträt meiner motorischen Neuronen, die meine Muskeln steuern und die aufgrund meiner Krankheit im Laufe der Zeit langsam schwächer werden – ein Prozess, der für mich oft gar nicht wahrnehmbar ist, während er passiert.

Seit ein paar Tagen sind Sie nun in Frankfurt, um die Arbeit aufzubauen. Was für Barrieren haben Sie hier festgestellt? Gibt es etwas typisch Deutsches?

Frankfurt ist eine schöne Stadt! Ich bin hier nicht auf allzu viele Hindernisse gestoßen, aber mir sind ein paar Dinge aufgefallen, die ziemlich häufig vorkommen. Eines davon ist die Zugänglichkeit der öffentlichen Verkehrsmittel – als wir ankamen, folgten wir der Route, die Google Maps vorschlug (und die laut Google Maps barrierefrei war) und nahmen die S-Bahn vom Flughafen zu unserer Unterkunft, um dann festzustellen, dass es weder an unserer noch an einer der nahe gelegenen Haltestellen einen Aufzug gab. Die Lage der Aufzüge ist auf der Karte, die in den S-Bahnhöfen ausliegt, nicht angegeben, und es war schwierig, diese Information zu finden. Wir versuchten dann, ein Taxi vom Hauptbahnhof zu finden, aber an diesem Tag war kein rollstuhlgerechtes Taxi verfügbar. Schließlich nahmen wir die Straßenbahn, was gut funktionierte! Aber es wäre ideal, wenn Informationen über Aufzüge leichter verfügbar wären, und noch besser, wenn es mehr Aufzüge gäbe! Außerdem ist mir aufgefallen, dass viele Geschäfte und Restaurants über Treppen zu erreichen sind, was in den meisten Städten, in denen ich bisher war, sehr typisch ist – vor allem in Europa, aber auch an einigen Orten in den USA (vor allem an der Ostküste, die historischer ist). Oft sehe ich kleine Läden, in die ich gerne hineingehen würde, es aber nicht kann, und oft muss ich draußen essen, wenn es Treppen gibt, um ein Restaurant zu betreten (was im Sommer schön ist und was ich jetzt wegen Covid lieber mache). Außerdem gibt es nicht genügend barrierefreie öffentliche Toiletten! In vielen Restaurants (wenn ich überhaupt hineinkomme!) ist die Toilette im Erdgeschoss oder zu klein, um sie zu benutzen. Aber das ist in vielen Städten so.

Was könnte denn im Museum für Moderne Kunst verbessert werden?

Das ist für mich schwer zu beantworten, weil ich erst gestern zum ersten Mal im Museum war und die Ausstellung noch im Aufbau war. Generell denke ich, dass die meisten Museen verbessert werden könnten, indem man sich Gedanken über die Platzierung der Kunstwerke macht (sie sollten nicht zu hoch platziert werden, so dass sitzende Besucher sie nicht sehen können, oder zu nah beieinander, so dass ein Rollstuhl nicht dazwischen fahren kann), indem man mehr Sitzgelegenheiten und Plätze zum Ausruhen im ganzen Museum zur Verfügung stellt, indem man Bildbeschreibungen für visuelle Kunstwerke und Beschriftungen/Audiobeschreibungen für Werke mit Ton bereitstellt und indem man mehr multisensorische Möglichkeiten für die Besucher anbietet, die Kunst zu erleben (z. B. Objekte zum Anfassen oder ein Programm, das Geruch, Geschmack, Ton usw. einschließt).

Interview: Sandra Danicke

Michelle Miles.

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